欧洲著名雕塑
这件雕塑：卡米尔是模特儿，罗丹是雕刻师，但是“创作建议和意见，来自卡米尔”。
《地狱之门》的局部。人们对这个局部，现在称为“卡米尔和罗丹”。
这件作品名为《达内德》（Danaide）：达内德是达那俄斯的女儿们（Daughters of Danaus）的统称。
这可能是希腊神话中，“死伤最为惨重”的一段爱情传奇。
这个可谓骇人听闻的神话故事发生在迈锡尼文明（Mycenaean Greece，前1600-前1100）时代：海神波塞冬的一个孙子，是埃及的一个国王，他名叫柏罗斯（Belus），他生了一对孪生兄弟，达那俄斯（Danaus）和埃古普托斯（Aegyptus）。这两个孪生兄弟，各娶了多位妻子，结果：达那俄斯生了50个女儿，埃古普托斯生了50个儿子。
埃古普托斯，希望自己的50个儿子娶他兄弟的50个女儿。达那俄斯不愿意，带着女儿们来到迈锡尼附近的阿尔戈斯（Argos），并成为阿尔戈斯国王。
埃古普托斯的50个儿子，追到阿尔戈斯。达那俄斯只好同意将自己的50个女儿嫁给埃古普托斯的50个儿子，但是他命令自己的女儿们：新婚之夜，杀死自己的丈夫。49个女儿都照办了，血流成河。只有善良的许珀耳涅斯特拉（Hypermnestra）设法保住了她的丈夫林克斯（Lynceus）的性命。
埃古普托斯得悉50个儿子的噩耗后，悲痛死去。林克斯杀死了岳父达那俄斯，给49个兄弟报了仇。这49个女儿因犯罪恶，被罚日夜打水。但是水缸永远不满，所以她们必须永无止境地向这个无底水缸灌水不止。
许珀耳涅斯特拉和她丈夫林克斯登上阿尔戈斯王位。许珀耳涅斯特拉和林克斯的儿子，是国王阿巴斯（Abas）。阿巴斯的重孙子（第四代孙子），正是杀死半人半牛的怪兽和蛇头女妖美杜莎的希腊英雄帕休斯（Perseus）。帕休斯，最后建造了雅典。
欧洲史前雕像为什么分布在北欧
雕塑是欧洲旧石器时代晚期的文化创新,其制作展现出稳定、娴熟的技能,反映出人类认知和技术的发展。另一方面,通过雕塑艺术品我们也可以看到风格多样的区域文化,比如动物雕塑主要出现在中欧,在西欧的法国、西班牙等地少见,但是西欧存在丰富的刻划动物图案的石头、骨头、象牙和鹿角等;人形雕塑分布广但形态细节具有地区差别;不同地区雕塑的主要材质存在差异等。这些都反映出不同地区和环境中的文化特色与文化选择。【摘要】欧洲史前雕像为什么分布在北欧【提问】雕塑是欧洲旧石器时代晚期的文化创新,其制作展现出稳定、娴熟的技能,反映出人类认知和技术的发展。另一方面,通过雕塑艺术品我们也可以看到风格多样的区域文化,比如动物雕塑主要出现在中欧,在西欧的法国、西班牙等地少见,但是西欧存在丰富的刻划动物图案的石头、骨头、象牙和鹿角等;人形雕塑分布广但形态细节具有地区差别;不同地区雕塑的主要材质存在差异等。这些都反映出不同地区和环境中的文化特色与文化选择。【回答】为什么欧洲的岩洞壁画多分布在南部，而雕像却分布在北欧呢【提问】这可能与北欧地区冻土较多的自然环境不无关系。【回答】南部气候温和不是更应该适合人居住吗？雕像怎么会出现在北部呢？北部气候严寒，不是不适合居住吗？【提问】欧洲以温带为主，受海洋影响，全年温和多雨【回答】南北温差并不算太大【回答】欧洲史前冰川期，北部特别严寒，都被冰雪覆盖呢【提问】冰河时期的欧洲也有人居住，照你的意思是环境恶劣就没有人生存了吗？【回答】哦哦，知道了，我看错了【提问】古时候的人并没有交通工具，所以说不论环境怎么样，都是有人生存下来的呀?【回答】我看错了，雕像分布并不在冰川覆盖的范围内【提问】??【回答】
为什么古希腊雕塑多为裸体艺术
古希腊雕塑多为裸体艺术这是因为：1、古希腊人的审美理想是追求“真实之美”，在古希腊哲学家与艺术家眼里，人体是自然世界的一部分，是最具匀称和谐、庄重优美特征的审美对象。于是，古希腊艺术中，人体雕塑随处可见且达到了极高的艺术水平。如果说古埃及雕塑的审美理想是追求“永恒”，而古希腊雕塑的审美理想则是追求“真实的美”。2、古希腊的裸体雕塑源于对现实生活的反映，古往今来，大多数人认为古希腊人雕塑采取裸体的形式，和当时战争的频繁与体育的盛行紧密相关。3、古希腊男权社会中的女权、女乳和裸体；4、古希腊裸体雕塑众多因其崇尚性快乐主义，所以古希腊雕塑多为裸体艺术，希望可以帮到你！
古希腊雕塑艺术的代表作品是什么？
谈到古希腊的雕塑，人们往往首先想到举世闻名的《米洛斯的阿芙罗蒂德》雕像。的确，这是一尊举世公认的雕刻杰作。加上“阿芙罗蒂德”是古希腊神话中美与爱的女神(古罗马神话中的女神为“维纳斯”)，从而使这一雕像自然地成为美的一种典型，成为古希腊雕塑艺术的代表。当然这一雕像的可贵及其所体现的古希腊人的审美理想，是很值得我们仔细分析研究的。但是古希腊雕塑之所以能产生这样具有典范意义的杰作，绝不是偶然的。尽管许多珍贵的古希腊雕塑原作已经不存在了，但是就从现存的一些作品以及罗马时代的复制品来看，无论是它的数量还是艺术水平都是十分惊人的。古希腊早期的雕塑姑且不谈，就以古希腊雕刻最繁荣的时期，即通常所说的“古典时期”(一般是指公元前485—前330年左右)，和古希腊后期，即通常所说的“希腊化”雕塑来看，现存的许多代表作已经可以组成一个丰富多彩、使人流连忘返的古希腊雕塑艺术之宫。
欧洲十九世纪美术比较研究是什么？
欧洲十九世纪美术比较研究是浪漫主义美术。其提倡注重艺术家的主观性和自我表现，以民族奋斗的历史事件和壮美的自然为素材，抒发对理想世界的追求，以瑰丽的想象，夸张的手法塑造形象，表现激烈奔放的感情。发展历程19世纪后期是美术史上极其重要的一个时期，塞尚、凡·高、修拉、高更等最重要的艺术家均在此时期处于创作巅峰期，现代艺术由他们肇始。《欧洲19世纪美术:世纪末与现代艺术的兴起》以画派、画家及其作品为线索，讲述了19世纪后半期欧洲美术发展史，将艺术家和他们的作品放在特定的社会历史环境和画家的经历、情绪当中进行讨论，描绘出那个艺术创作繁荣昌盛时代的胜景，并反思了近现代美术发展历程中耐人寻味的必然规律和令人惊异的奇妙事件及人物。
19世纪欧洲的美术是怎样的？
巴黎公社的建立，把19世纪艺术纷繁的流派显现出来，艺术家越来越多的为资产阶级服务，形成了一种越来越脱离政治而走向艺术自由的趋向。
一、 新古典主义
在题材、形式、风格上以古希腊罗马艺术为榜样，特别是以古典雕刻为范本，重素描、讲究造型的严谨，并注意油画制作技巧地道，创造了一种古朴、典雅和庄重的风格，以高贵以简朴和宁静的雄伟。
代表人物：
1. 达维特
法兰西近代画派的复兴者
作品《荷拉斯三兄弟的宣誓》主题个人服从国家利益
《马拉之死》《劫夺萨宾妇女》
《拿破仑一世加冕大典》
2. 格罗
作品《拿坡仑在阿尔柯桥上》
《拿坡仑视察雅法鼠疫病院》
3. 安格尔
女性裸体画、肖像画
《泉》《土尔其浴室》
二、 浪漫主义美术
积极：抨击现实把希望寄托在人民革命上
消极：把自己的希望寄托在往事的回忆和幻想中
重感情和个性，重色彩和色彩对比，主张创作自由，个性解放和艺术独创
1. 籍里柯《梅杜萨之筏》 金字塔构图的历史事件
2. 德拉克洛瓦《自由引导人民》
3. 吕德 浪漫主义雕刻家《马赛曲》
三、 现实主义
1. 巴比松画派
枫丹白露森林的巴比松树
主张走出画室，对景写生，通过写生再回到画室中制作完成。
2. 米勒、库尔贝、杜米埃
《拾穗者》《晚钟》《三等车厢》农民画家，农民生活题材
3. 现实主义雕刻
罗丹《青铜时代》《神曲-地狱之门》
《思想者》《加莱义民》《巴尔扎克》
四、 印象主义 新印象主义
1. 印象主义 摆脱了绘画主题的奴役，主张室外写生，直接描绘，阳光下的印象。
马奈 《草地上的午餐》《弗里-贝热尔酒吧间》
莫奈 《日出.印象》
德加 《浴女》
2. 新印象主义
点彩派 修拉《大碗岛的星期天下午》
五、 后印象主义
特征：1.后印象主义不满足于客观的再现和追求外观与色彩，强调抒发了作者的自我感受，表现主观感情和情绪。
2.后印象主义重视形和构成形的线条、色块和体积
3.表现不因时间而改变的特质的永恒
作品
1. 塞尚《苹果与橘子》
2. 凡高《吃土豆的人》《向日葵》《星月夜》
3. 高更《塔希提妇女》
19世纪其他国家的美术
一、 英国美术
英国风景画
波宁顿 真实的历史题材《从码头看鲁昂》
透纳 《特米雷勒号战舰》
康斯泰勃尔《干草车》
二、 德国
1.浪漫主义绘画
早期浪漫主义风景画
代表画家：弗里德里希 将自然的真实写照与艺术家内心的主观感受融为一体，
拿撒勒画派
希腊文 耶苏的故乡 作品以宗教故事、神话为题材，歌德称之为“病态画派”，这种艺术来自于基督教
2.现实主义
门采尔《轧铁工厂》
4. 罗马派
选择希腊神话故事为题材，努力把古希腊典雅的理想和永恒的古典形象渗进当时的人物画中。
5. 象征主义
用象征寓言手段表现黑夜、死亡、梦境、画面追求神秘、怪诞、恐怖效果
珂勒惠支
三、俄罗斯
巡回展览画派
列宾《伏尔加河上的纤夫》
什么是人体艺术？
人体艺术这样的艺术已经是脱离了本身的一个味道，甚至是已经在低俗这样的一个方向发展，在这样的一个情景中其实是真的引起了很多的网友的不满，因为现在的很多的女的，只要是胸部很大和奶牛一样就可以成为人体模特，这样的一个标准是完全推翻了之前的选美的标准，其实是和模特是一样的吧！在这样的一个过程中，是真充满了很多的意外，甚至是有很多的自己的感触在其中，说起本身是没有什么问题的，但是至今的发展已经是完全的掩盖了人体艺术本身的意义，甚至是很多的网友呼吁遏制这样的情景发生，其中的一个代表就是张筱雨魅感50张，让人不敢恭维，说起张筱雨魅感50张完全是大尺度，超乎人们的想象。 此时的张筱雨魅感50张完全是令人不可以想想，为什么要做这样的一个动作呢？难道就不认为自己是真的非常的可耻的吗？在这样的一个情景中其实是真的充满了比较的多的其他的意味，甚至是已经开始变质，低俗的发展是真的很迅猛的，无论是在哪一个国家都是存在的，甚至是在很多的国家都是被认定为私密的事情，是不可以被公开的，但是中国目前来说艺术这样的事情是完全的不存在的，甚至是开始玷污艺术了，张筱雨魅感50张就是这样的，完全的没有任何的遮挡，甚至是开始进行了魅惑，大腿照，甚至是牛奶照，此时的张筱雨魅感50张已经是被很多的感兴趣的人收藏，说明了龌龊的人是真的很多! 其实说起改变，也会是人们的审美改变了，为什么这样说呢？如果没有人买帐，那么这样的事情其实是不会发生的，甚至是没有什么事情是可以成功的，要不是这些营销人员其实是通过这样的一个炒作的手段，甚至是通过这样的一个情景在不断的说明什么，甚至是有很多的自己的心情在其中，此时的人体艺术完全是不会变质的，日本的影片看似是艺术，其实是不堪罢了，主要的目的其实是吸引那些男读者，但是最终是导致了很多的日本人不愿意结婚，甚至是生孩子，为什么这样呢？因为民族本身的文化是真的有着着很多的问题，有很多自身的形象导致，越来越畸形的口味，已经是导致了人们开始向往畸形的走势生长！
什么是人体艺术？
张悠雨为什么选择走上人体艺术的道路，是因为她发自内心的热爱，热爱自己的身体。她觉得自己的身体非常完美，不是张悠雨自恋，确实是如此。她的身材，连女生看了之后都会觉得漂亮，也会露出欣赏的目光。人体艺术的最高境界，就像是女生看张悠雨的人体艺术照片，没有欲，就是单纯的欣赏女性的身体。 张悠雨的这些照片非常受欢迎，她就相当于现在非常热门的网红，甚至程度更夸张。不少的网友把张悠雨的照片下载到电脑中珍藏，每次看都会有新的体会和感受。第一次看的时候，也许看到的是低俗，可是看得久了，是真的能够看出来人体艺术的味道。张悠雨的这些照片，拍的都非常漂亮和有感觉的。 拍照也是一门技术，什么样的姿势，什么样的拍摄角度，还有灯光的感觉等等，需要多个方面配合才能够成就一组图片效果。张悠雨在镜头面前一点都不害羞，而且非常懂得和镜头语言交流，更因为慎重对待这门艺术，状态更加的自然和舒展。张悠雨也不介意把自己最不能够展览的部位公开，张悠雨都无所谓，毫无余地的开放自己的身体。
印象画派的名词解释
印象画派是十九世纪下半叶法国兴起的一个画派。该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，一反过去宗教神话等主题内容和陈陈相因的灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。【摘要】
印象画派的名词解释【提问】
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印象画派是十九世纪下半叶法国兴起的一个画派。该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，一反过去宗教神话等主题内容和陈陈相因的灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。【回答】
印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。【回答】
19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守成规，由于自己的创新作品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度，他们要求艺术上的革新和创作自由，经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路【回答】
以上是我的全部回答，希望能帮助到您～【回答】
请问您还有其他问题咨询吗？我可以继续为您解答~?【回答】
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印象派名词解释
印象派名词解释：（Impressionism)，也叫印象主义。西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，例如，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》。印象派是西方的一个重要画派，十九世纪下半叶产生于法国，因莫奈的《日出印象》一画遭到学院派攻击而得名。印象派在绘画技法上进行了革新，对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，对欧洲绘画技法的改进有一定贡献。
欧洲文艺复兴时期的主要建筑风格
欧洲文艺复兴时期的主要建筑风格是文艺复兴建筑（Renaissance architecture）。文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。十五世纪产生于意大利，后传播到欧洲其它地区，形成带了有各自特点的各国文艺复兴建筑。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。
文艺复兴建筑是15－19世纪流行于欧洲的建筑风格，有时也包括巴洛克建筑和古典主义建筑．起源于意大利佛罗伦萨。在理论上以文艺复兴思潮为基础；在造型上排斥象征神权至上的哥特建筑风格，提倡复兴古罗马时期的建筑形式，特别是古典柱式比例，半圆形拱券，以穹隆为中心的建筑形体等。例如，意大利佛罗伦萨美第奇府邸，维琴察圆厅别墅等。
文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。
文艺复兴时期的建筑师和艺术家们认为，哥特式建筑是基督教神权统治的象征，而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑，特别是古典柱式构图体现着和谐与理性，并同人体美有相通之处，这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。
但是意大利文艺复兴时代的建筑师绝不是食古不化的人。虽然有人(如帕拉第奥和维尼奥拉)在著作中为古典柱式制定出严格的规范。不过当时的建筑师，包括帕拉第奥和维尼奥拉本人在内并没有受规范的束缚。
他们一方面采用古典柱式，一方面又灵活变通，大胆创新，甚至将各个地区的建筑风格同古典柱式融合一起。他们还将文艺复兴时期的许多科学技术上的成果，如力学上的成就、绘画中的透视规律、新的施工机具等等，运用到建筑创作实践中去。
论述欧洲文艺复兴建筑设计的历史地位
十五世纪产生于意大利，后传播到欧洲其它地区，形成带了有各自特点的各国文艺复兴建筑。 意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。 文艺复兴以后，建筑的主题由宗教走向人生，即由寺院变为宫室。 建筑风格的特点是追求豪华，大量采用圆柱、圆顶，外加很多精美的饰物。 文艺复兴时期是意大利建筑最辉煌的时期，这一时期的建筑发生了不同于以往的新变化，古希腊、古罗马的建筑风格取代了欧洲盛行的哥特式风格，古典柱式再度成为建筑构图的主题，同时追求稳定感。 文艺复兴时期的建筑的特点是推崇基本的几何体，如方形、三角形、立方体、球体、圆柱体等，进而由这些形体倍数关系的增减创造出理想的比例；在建筑设计及建造中大量采用古罗马的建筑主题、高低拱券、壁柱、窗子、穹顶、塔楼等，不同高度使用不同的柱式。 建筑物底层多采用粗琢的石料，故意留下粗糙的砍凿痕迹，有些门窗也采用这种作法。 文艺复兴时期的建筑结构、建筑风格是全新的，突破了风格主义的常规，创造出—种新颖而生动的活力。 意大利文艺复兴时期世俗建筑类型增加，在设计方面有许多创新。 世俗建筑一般围绕院子布置，有整齐庄严的临街立面。 外部造型在古典建筑的基础上，发展出灵活多样的处理方法，如立面分层，粗石与细石墙面的处理，叠柱的应用，券柱式、双柱、拱廊、粉刷、隅石、装饰、山花的变化等，使文艺复兴建筑呈现出崭新的面貌。 世俗建筑的成就集中表现在府邸建筑上。 教堂建筑利用了世俗建筑的成就，并发展了古典传统，造型更加富丽堂皇。 不过，往往由于设计上局限于宗教要求，或是追求过分的夸张，而失去应有的真实性和尺度感。 建筑技术 梁柱系统与拱券结构混合应用；大型建筑外墙用石材，内部用砖，或者下层用石、上层用砖砌筑；在方形平面上加鼓形座和圆顶；穹窿顶采用内外壳和肋骨；这些，都反映出结构和施工技术达到了新的水平。 城市和广场 城市的改建往往追求庄严对称。 典型的例子如佛罗伦萨、威尼斯、罗马等。 文艺复兴晚期出现一些理想城市的方案，最有代表性的是V.斯卡莫齐的理想城。 广场在文艺复兴时期得到很大的发展。 按性质可分为集市活动广场、纪念性广场、装饰性广场、交通性广场。 按形式分，有长方形广场、圆形或椭圆形广场，以及不规则形广场、复合式广场等。 广场一般都有一个主题，四周有附属建筑陪衬。 早期广场周围布置比较自由，空间多封闭，雕像常在广场一侧；后期广场较严整，周围常用柱廊，空间较开敞，雕像往往放在广场中央。 园林 从14世纪起，修建园林成了一时的风尚。 15世纪时，贵族富商的园林别墅差不多遍布佛罗伦萨和意大利北部各城市。 16世纪时,园林艺术发展到了高峰。
古希腊艺术和西方现代主义艺术受什么样的哲学思想影响？
古希腊艺术和西方现代主义艺术主要受什么哲学思想影响近代美学时期是指从文艺复兴延至十九世纪末，真正意义上的美学始于近代。在近代，“形式”已成为美学中的一个独立的范畴，并自觉地与理性地上升到艺术的本质的高度。自文艺复兴始，人性得到了复苏与高扬，理性成为思想的规定性，这种理性是一种诗意（创造）理性而有别于古希腊的理论理性和中世纪的实践理性。作为“美学之父”的鲍姆嘉通把美学规定为感性学，同时他也十分强调秩序、完整性与完美性。笛卡儿的哲学思想为近代思想奠定基础，他力图从主客体的认识关系来把握美。英国的经验主义与大陆的理性主义分别从各自的维度提出美学思想。作为德意志唯心主义美学的奠基人，康德提出并阐发了他的“先验形式”概念，认为审美无涉利害，与对象的存在和质料无关，美基于对象的形式，从此出发，康德把美与崇高相区分，认为与美基于形式不同，崇高是无形式的，因为它是混乱的、不规则的与无秩序的。在康德那里，真、善、美之间有了明晰的分界，艺术也不等同于真理。康德为西方形式美学的发展奠定了重要的思想基础。黑格尔认为，美是理念的感性显现，那么理念作为内容，则感性显现就属于形式。在黑格尔那里，美的艺术的领域属于绝对心灵的领域，而自由是心灵的最高的定性。他说：“按照它的纯粹形式的方面来说，自由首先就在于主体对和它自己对立的东西不是外来的，不觉得它是一种界限和局限，而是就在那对立的东西里发见它自己。”[2]黑格尔力图从这种对立中去发现自由。总之，在近代，西方形式美学得到了极大的发展，尤其是在把形式作为纯粹的与先验的方面。这种影响远远超出近代经验主义美学关于审美经验和审美意识的思想。
古希腊艺术和古罗马艺术的异同在哪里？
古罗马和古希腊艺术的异同：
一、共同点
无论是古希腊还是古罗马艺术，都是最接近人的艺术。希腊艺术的辉煌成就植根于深刻的人本主义精神，没有丝毫扭曲、掩饰、夸张和造作而是真实。如多立克柱式就是男性的阳刚之感，而爱奥尼柱式则具有女性的柔美之感 。甚至连同神话也具有“神人同形同性”的特点，为神所制造的雕像其实也是为他们理想化了的人造像，如爱神维纳斯的雕像是一个曲线玲珑的女性；即使是带着翅膀的胜利女神，也是以女性为基础创造的。
作为古希腊艺术的继承者，古罗马艺术也带有相同的人本气息。如它的雕刻，就是表现人的特点。古罗马人本来就有为祖先作雕像纪念的习俗，早期的雕塑是根据死者面部制作的，不加任何美化，表情死板缺少活力，仅仅是逼真。但随着古希腊的雕刻艺术的传入，他们开始美化雕像，但始终保持着“逼真和表现个性”的主旋律。
古罗马和古希腊艺术都是在极力追求一种和谐美，这种和谐美主要体现在三方面：
1、自然而真实的美感：如雅典卫城建筑配合白色大理石表现出超凡脱俗的美，其雕刻完美为世人所公认。古罗马的雕刻同样表现出一种力量的美，它们都共同“模仿自然，而完美于自然”。
2、对称的美感：古罗马或古希腊的神庙大多是轴对称建筑，依照主轴中心线修建，两边对称。给人以庄严神圣而不可侵犯的感觉。神庙外形基本以长方形为主体，四面的柱体数目相对称一样。不但外观具有对称性，而且内部结构也有一定的对称性。古罗马的椭圆形的古斗兽场就是遵循对称的典范，巨大宏伟的雅典卫城则以端庄典雅匀称著称。
3、比例的美感：如古罗马的万神殿，殿堂内比例协调，十分恰当和谐：大圆顶的基座从总高度的一半的地方开始建起，而直径与高度相等，约四十三米。古希腊雕像“断臂的维纳斯”也是长短适度、美妙绝伦，为世人所惊叹。
二、不同点
1、起源的相对独立性与多元性
古希腊被海洋四周包围，当地人便以海为通途，成为海洋民族。早在公元前八世纪，古希腊人便扬帆出海，造就了希腊人敢想、敢干、敢于创新的理念，这种大胆自由的理念渗透到艺术领域中。如在很多戏剧要出中希腊人甚至肆意地戏弄神，毫无顾忌地批评权贵；雕塑家可以用人的形象作为神的范本；神话中将神视作与人一样有缺点弱点。而且因其地理因素使古希腊艺术还具有相对独立性。
而由于古罗马是半岛国的奴隶制国家，以农业为主，在同自然的斗争中培养了对客观事物沉着思考和务实的精神，与外向型扩张的古希腊人不同。而且古罗马艺术不像希腊艺术那样单纯，既受理依达拉利亚美术影响，随着征服其他国家，又吸收了希腊、埃及、两河流域地区的文化。同一时期，不同的地方艺术风格也不一样，除以罗马城为中心的正统艺术外，帝国各省还有其不同的风格。因而古罗马的艺术在融合其他文化的基础上自成一家，是独特性与多元性的统一。
2、艺术目的不同
古希腊文化艺术的创作活动是它的生活的一部分。如古希腊的戏剧起源于祭祀酒神的活动，后来发展成全民的庆祝节日。每个公民每年至少有一天看戏的机会，并且有政府还发放的观剧津贴。古希腊人对“美”情有独钟。他们在人像雕刻和神庙建筑上一再探讨正确的比例关系，有着独特的审美观。使得古希腊艺术表现上呈现出充满健康、自然、乐观、优雅等的特质，而有别于近东艺术那种超自然的、宗教的神秘感。
而古罗马创作艺术的目的就迥然不同了。罗马的艺术主要是用于纪念与歌颂。例如君士坦丁凯旋门就是用来纪念为了纪念君士坦丁大帝击败马克森提皇帝统一罗马帝国而建的。凯旋门上方的浮雕板主要内容为历代皇帝的生平业绩。无论是雄伟磅礴的建筑还是威严的帝王雕像，都有其实用性或纪念性。
3、敬神与敬王
笃信神灵的古希腊人建造了无数经典的圣庙，如雅典卫城里就有不少为世人所赞颂的庙，其栩栩如生的雕像也大多取材于神话。希腊艺术主要用于敬神，因而带有幻想的色彩，而且显得各位端庄典雅，给人以圣洁宁静之感。
而古罗马随着版图的不断扩张，对那些成就千秋大业的帝王日益崇拜，甚至超过了对神的崇拜。因而古罗马艺术大多数是歌功帝王颂德，或者是满足罗马贵族奢侈的生活需要。所以雕刻艺术带有贵族气息，人物雕像大多以贵族、帝王为主；建筑也显得比希腊的雄伟壮丽，气势磅礴。这就使得古罗马的艺术没有了古希腊的简约典雅，而具有王者的风范。
4、浪漫主义与实用主义
古希腊人重视精神层面的表达，艺术中喜欢抽象、概括的理念。表现完美的人体是古代希腊艺术的最高理想，从雕塑来看，塑造人体强调的法则是简明、清晰、匀称、和谐；而衣物上则强调轻盈飘逸，真实自然。从人体比例中发现美的秘诀黄金比例，除了应用在雕塑之中还应用于建筑中，给人有匀称、和谐的节奏感。虽然他们主张艺术模拟自然，但不是全然模拟自然，更非任凭自己的想像虚构。就像亚里斯多德主张的“艺术应该模仿事物所应然的样子”，即事物的典型，普遍性、必然性和和谐性，所以是一种理想化的写实风格。艺术所追求的美是与自然的真实性联系在一起。所以塑造生动、自然的感性形象，明显地看出古希腊在艺术上追求完美，具有理想化的特色。
因为古罗马人较为现实，讲究实际和喜欢具体的、实在的东西，所以古罗马艺术没有希腊艺术的浪漫主义色彩和幻想成分以及无需追求完美，而是具有写实性和叙事性的特征。 就如古罗马雕像的精神气质主要通过面部表现，希腊人则通过身体姿态动作来传达。所以罗马雕像如果缺了头部，余下的部分就没什么欣赏性了；而希腊雕像的灵魂充满身体各个部分，即使只剩下断臂残躯，仍然能给人以特有的生命和美感。
4、共性与个性
古希腊雕刻强调的是共性和民族精神，罗马要求的是个性特征鲜明的肖像，不仅满足于外形的逼真，而且注重人物个性的刻画，强调真实和个性。从雕刻上看，其人物形象不及希腊生动、秀丽，缺乏希腊雕刻中那种丰富的想象力，对力量和动态美的追求，人物的表情大多陷于凝神沉思中，有着严竣、矜持的神情。或者说，很多古罗马雕像都是反映不同古罗马帝王的个性。而一方面古希腊因为带有较多的民主与自由色彩，艺术上很重视表现生活的欢乐，赞美人性与注重情趣，因而艺术品中的人物大多是愉悦的，让人感到他们就是世界的主人。这一定程度上反映全民的理想和要求。另一方面，城邦国家的奴隶主政体为文化艺术的发展提供了有利的条件，城邦国家要求公民具有健壮的体格和完美的心灵，所以古希腊艺术中的理想形象就是既有典雅宁静的气质，又有运动员一样的体魄，这种独特的审美标准促使希腊艺术产生了理想美的典范。
5、简约与华丽
古希腊建筑有一种简洁的美，它的雕刻有一种飘逸的美。它的艺术作品如水一般灵动透彻，越是简约清雅越是耐人寻味。古罗马神庙建筑则更多地采用华丽的科林斯柱式。如著名的罗马万神殿就是极其庄严，华美的巨大建筑，上面有金光闪闪的圆顶，里面则是琳琅满目的浮雕，一样比样富丽堂皇，气势辉宏。而其他艺术品也同样待遇大气华丽的特点，很容易让人感觉到王者的高贵与威严。
6、艺术印象
往往一开始接触古希腊古罗马艺术的人都觉得二者之间所运用的手法相似，但随着欣赏的艺术品增多，古希腊与古罗马就给人明显不同的艺术印象。第一，由于古希腊注重人的思想、文化素质，其艺术更具有文化特质，偏向柔美、优雅。第二，而古罗马追崇力量与身体的健壮完美，其艺术更注重力度美与气势。
